ΔDesignArt 2026/ Sung Rim Park・Seasoning.objet ・Yoonjeong Lee

2026-05-02

ΔDesignArt 2026/ Sung Rim Park・Seasoning.objet ・Yoonjeong Lee

※內容由南港老爺行旅活動官網內容授權轉載

簡介/

朴成林以線的結構，將宇宙從一個點開始生成的原理，轉化為空間性的形態。她是一位以結、線與矩陣為基礎，建構結構的纖維藝術家。她運用韓紙、苧麻、麻布等天然纖維進行創作，並將其延展為具有雕塑性與建築性的形式。透過反覆與張力，她揭示空間被物理性生成的過程。

創作者專訪/

1. Collectible Design（收藏型設計）是亞洲一股新的作品收藏潮流，也有人說可以看成是Functional Art（應用藝術），你怎麼看待你的作品屬於哪一種、或者屬於其他？

Collectible Design 所具有的可收藏性與物件性價值，以及 Functional Art 所強調的使用性與造形性的結合，確實構成了當代工藝與設計的重要發展脈絡。我的創作在某種程度上也與這樣的脈絡相互呼應，特別是以纖維為基礎，透過長時間勞動累積所形成的物理形態，被置入空間之中這一點。然而，我的作品並非以「功能」為出發點。它並不是為了乘坐、倚靠，或任何「特定使用目的」而設計出來的結構，而是更接近於一種將時間與感知的累積，轉化為物質與結構的過程。

我的創作由線材與韓紙所作之繩結所構成，透過這些反覆打結的行為，凝聚了思考與時間的單位。從一個點開始的結，延伸為線，進而形塑出空間，最終構築出具體的物理結構。同時，作品會隨著與空間的關係建立而擴展其意義。無論是依附於牆面、鋪展於地面，或懸置於空中，不同的展示方式都會使作品的結構產生流動性的變化；而觀者的移動與觀看視角，也使其呈現出多層次的感知經驗。因此，與其說我的作品是一件具備固定功能的物件，不如將其理解為一種在空間中運作的「結構性場域（field）」會更適合。

2. 從20幾年前的Salone del Mobile Milano 衛星展、以及Basel Miami旁展出Design Miami這樣的藝術家具展，designart的風潮在歐美興起，10年前這股風潮吹向亞洲，Designart Tokyo成立，韓國則是近年有許多國際知名設計與藝術展會進駐，如Design Miami、Frieze、龐畢度中心等。以你自身發展designart市場的經驗而言，你看見台灣創作者的優勢與困境會是什麼？

韓國的創作者長期以來，建立在手工技藝的積累與對材料深刻理解的基礎上持續進行創作。在韓國的創作作品中，可以觀察到一種節制而典雅的美感、與自然之間的呼應關係、對「留白」的結構性運用，以及對材料本身特質的細膩掌握，這些元素往往呈現出和諧的整體。他們的美學傾向並不僅止於完成的形態，而是更重視創作過程與時間累積的本身，這樣的態度為作品帶來獨特的密度與深度。同時，隨著對新趨勢的快速吸收與靈活轉化運用，逐漸在當代藝術與設計領域中形成了具有自身特色的造形語言。

我自身的創作亦是以韓紙（한지, Hanji）與韓山苧麻（한산 모시, Hansan Ramie）等傳統纖維材料作為創作基礎。但我不僅止於傳承傳統材料與技術，我更關注如何透過線與結的方式，將時間與經驗的累積轉化為一種結構性的存在。在反覆與積累的過程中，所形成的線與空間，展現出節制的節奏與微妙的平衡，同時也呈現出「虛」與「實」之間的關係，以及自然生成的線性流動之美。

儘管具備上述優勢，在作品的詮釋與定位上，特別是造形語言的建構層面，仍然存在一定的課題。即使作品本身已具備高度的完成度與敏銳的感性，其在何種脈絡中被閱讀、又如何延展為更具體的論述，相關的理論與語言仍有待進一步累積。尤其在國際平台上，除了實體創作之外，如何以清晰且具說服力的概念架構進行表述同樣關鍵；在這一點上，我認為仍需要更精緻的語言發展，以及長期且持續的概念累積。

3. 就你觀看經驗而言，你對於亞洲其他國家如日本、韓國、泰國、印尼等地的designart類型創作者的作品有什麼樣的印象？

觀察亞洲各國的 Designart 發展，可以明顯看見一個共通的趨勢：皆是以傳統材料與技術做為基礎，同時試圖將其轉譯為當代語言。不過，在具體的實踐方式與表現密度上，各文化之間的差異也相當鮮明，這與各自的文化態度有著緊密相關的原因。在日本，對材料與技術的高度精煉態度，以及極度節制的美學，是其顯著特徵。作品往往建立在高完成度的細節與清晰的概念結構之上，使整體呈現出精緻且嚴謹的構築，同時在傳統與當代之間維持一種穩定而持續的張力。

相較之下，台灣則展現出較為開放且實驗性的創作取向。也許是在多元文化交織的背景之下，藝術家們在材料與形式之間的結合更為靈活，亦常見跨越設計與藝術界線的跨域創作。泰國與印尼則以強烈的裝飾性與鮮明的物質性為特色。傳統工藝中豐富的紋樣與色彩，以及高密度的手工技藝，經由當代轉譯後，呈現出極具感官張力與視覺能量的創作樣貌。

相對而言，我認為韓國同時具備節制的美感、高度的完成度，以及快速吸收並轉化新趨勢的能力。這些差異並非單純的風格分類，而是源自於各地在理解材料、傳統與當代之間關係時，所採取的不同方法與視角。我自身的創作，也是在這樣的脈絡之中，持續探索如何將經驗與材料轉化為具備當代結構與語言的形式。

4. 本屆大會主題為「Crafting Asia」，聚焦亞洲各國創作者對於「Craft」不同的觀點與解讀，身為台灣創作者，你如何看待自身作品與「當代工藝」之間的關係？

在製作與生產大量機械化、數位化的第四次工業革命時代，我認為以「手的感知」為核心的工藝，在當代具有重要意義。在一個以效率與速度為主導的環境中，建立於手的反覆行為與時間累積之上的工藝，提供了一種不同層次的經驗感受，也成為喚醒並修復逐漸趨於鈍化的感官的一種媒介。

我的創作同樣以傳統纖維材料為基礎，但並非將其視為功能性物件或技術再現（傳承），而是更專注於透過線與結(knot)的過程，將時間與感知的累積轉化為結構性的存在。反覆進行的手部行為，不僅是單純的製作過程，更是一種形塑時間密度的方式，而這樣的積累最終會延展為一種空間。在這樣的脈絡下，我的創作與其說是在維持傳統工藝技術，不如說是在探索「手的感知」與「時間的積累」如何轉化為當代的造形語言。因此，我將當代工藝視為一種實踐——在數位環境之中，透過重新召喚手的感知、材料的物質性，以及時間的經驗，來喚醒並恢復人們的感官。

5. 給我們一個設計與藝術間的Hashtag（可以是想說的關鍵字，或是想推薦的書、音樂、電影等，成為你們靈感的人事物，讓創作新進參考）

#매트릭스 #Matrix

如同電影 The Matrix 所揭示的世界，那些不可見的時間與感知的積累，在結與結構之中逐漸顯現；而在這些結構所形塑的空間裡，設計與藝術之間的界線，也隨之自然地流動、模糊，並被重新感知與理解。