ΔDesignArt 2026/ zhēnzhēn Stained glass lab

2026-05-05

ΔDesignArt 2026/ zhēnzhēn Stained glass lab

※內容由南港老爺行旅活動官網內容授權轉載

zhēnzhēn Stained glass lab 真真鑲嵌玻璃研究所

簡介/

張博傑（Po-Chieh Chang）

「真真鑲嵌玻璃研究所」創辦人、藝術家。

成長於苗栗山林與稻田交織的自然環境。建築系背景使其關注空間、環境與人之間的共融關係；研究所時期的新媒體藝術創作，則持續提問身體性與現代科技之間的張力與矛盾。2018 年創立「真真鑲嵌玻璃研究所」，以鑲嵌玻璃為創作媒介，探索材料與記憶之間的感知連結。從日常工藝品到跨領域裝置創作，曾任2023~24臺中國家歌劇院駐館藝術家。其作品結合聲音、影像與傳統工藝，透過光的敘事，引領觀者進入詩意且具感官深度的內在風景。

《彼端》｜空間裝置 

旅途的終點，也是語言與邏輯逐漸失效之處。

於流動的空間影像中，觀者得以感受事物定義的不斷鬆動與更新，並在無以名狀的狀態裡，理解所有的選擇與迷惘，皆為生命所饋贈的經驗。

「離開棲居之地，向內走入感知的深山。」

自 2018 年起，「真真鑲嵌玻璃研究所」以鑲嵌玻璃工藝為核心，透過壓花玻璃構築各式光影載體。從日常燈器到跨領域的聲音與影像裝置，創作者張博傑在 2026 年初，選擇回歸自身的感觸，展開一場關於回望與定位的創作展。

本次展覽作品「彼端」為個展「內光」其中一項空間裝置作品，「內光」個展將創作歷程比擬為一場原始旅行者的入山行徑。當軀體置身荒野，不熟悉的環境迫使身體甦醒，感官變得敏銳；恐懼與幻想並行，逐漸觸發一種介於現實與想像之間的共感靈性。

展覽構築出一條從《入林》通往《彼端》的感知路徑，結合建築性的空間編排、類比技術的感官實驗，以及傳統工藝中與身體最為貼近的材料經驗。這不僅是對工藝形式的再詮釋，更是創作者在多年跨界實踐之後，重新確認自身座標的過程。我們在流動的光景之中，與記憶對坐，觀看那些在模糊與清晰之間不斷被重構的生命風景。

創作者專訪/

1. Collectible Design（收藏型設計）是亞洲一股新的作品收藏潮流，也有人說可以看成是Functional Art（應用藝術），你怎麼看待你的作品屬於哪一種、或者屬於其他？

對我而言，這兩者的邊界在鑲嵌玻璃的語境下是模糊且流動的。鑲嵌玻璃本質上就是一種「光的容器」，它在歷史上始終具備強烈的功能性（光的轉譯、定義空間），但也承載了極高的精神性（宗教敘事、記憶存留）。我更傾向於將我的作品定義為「感知的顯影物件」。如果說 Collectible Design 強調的是作品的稀缺性與概念高度，Functional Art 追求的是日常與美學的重疊，我的創作則是在兩者之間導入了「時間狀態」的維度。我透過採集而來的舊玻璃與昭和花玻璃，將這些已逝的時代切片，藉由工藝重新「鑲嵌」回當代的生活場景中。作品不僅是收藏品或燈具，它更像是一個啟動空間情感的開關，讓光線穿透物質，投射出收藏者內心的風景。

2. 從20幾年前的Salone del Mobile Milano 衛星展、以及Basel Miami旁展出Design Miami這樣的藝術家具展，designart的風潮在歐美興起，10年前這股風潮吹向亞洲，Designart Tokyo成立，韓國則是近年有許多國際知名設計與藝術展會進駐，如Design Miami、Frieze、龐畢度中心等。以你自身發展designart市場的經驗而言，你看見台灣創作者的優勢與困境會是什麼？

這幾年帶著作品從日本到峇里島，我觀察到：

•優勢：雜食性的文化適應力與技術韌性。台灣創作者具備極強的「轉化能力」。我們沒有像日本那樣沈重的傳統包袱，也沒有歐美那種絕對的個人主義，這讓我們在處理「Craft」與「Design」的跨界時極具靈活性。以「真真」為例，我們處理昭和玻璃時，能用當代設計的語彙去包裹東亞共有的情感，這種精緻且溫柔的敘事，在擁有壓花玻璃記憶的國家中都能產生深刻的共鳴。

•困境：市場規模與論述體系的斷層。

相較於日、韓已建立起完整的 Designart 交易生態與專業藝評體系，台灣的收藏市場仍偏向兩極化：一端是純藝術，另一端是實用產品。夾在中間的「收藏型設計」往往被誤解為「較昂貴的家具」，而非「具備投資價值的藝術」。創作者常面臨生產成本高昂，卻缺乏指標性平台來支持作品產值與論述深度的困境。

3. 就你觀看經驗而言，你對於亞洲其他國家如日本、韓國、泰國、印尼等地的designart類型創作者的作品有什麼樣的印象？

•日本：極致的物質研究。他們對單一材料（如漆器、木材）的挖掘極深，作品中透著一種安靜且嚴謹的秩序感，將工藝轉化為一種近乎信仰的哲學。

•韓國：強烈的時代感與大膽視覺。他們善於結合科技感材料與傳統造型，作品張力極強且具高度當代性，敏銳地反映了其快速變動的社會動能。

•泰國與印尼：原始生命力與自然哲學。在峇里島的經驗令我印象深刻，當地作品充滿了土地的觸感與工藝的原始能量，那種「與自然共生」的質感非常直覺，是從生活中自然生長出來的藝術。

ΔDesignArt2025展間風景

4. 本屆大會主題為「Crafting Asia」，聚焦亞洲各國創作者對於「Craft」不同的觀點與解讀，身為台灣創作者，你如何看待自身作品與「當代工藝」之間的關係？

我認為「當代工藝」不應只是技術的保存，更應是「傳統的可能與延伸」。對我來說，「Crafting」是一個現在進行式，它關乎我們如何在極速的數位時代中，使用雙手精準地留下「時間的狀態」。在「真真」的創作中，工藝是我的思維工具，我透過鑲嵌玻璃的行為，在空間中勾勒出光的形狀與抽象的感知狀態。我追求的並非工業生產的完美準度，而是雙手勞作留下的證明，那正是物件靈魂的所在。身為台灣創作者，我的「Crafting Asia」是透過對國際共有的壓花玻璃材料與鑲嵌工藝的再詮釋，重構一種獨立於單向傳承之外的當代工藝模式。