ΔDesignArt 2026/ Wuba Yang + nothingshop

2026-04-30

ΔDesignArt 2026/ Wuba Yang + nothingshop

※內容由南港老爺行旅活動官網內容授權轉載

簡介/

此展區由兩位藝術家共同策劃展出，分別為紙物(Paper Object)的主理人Wuba Yang與萬物製造(NotingShop)的主理人楊祥鞍。

祥鞍與 Wuba Yang 雖為兄妹，卻在藝術與設計的座標軸上，各自繪製了一段迷人的反向對話。

祥鞍過往一直深耕於純藝術雕塑，從早期探索生命張力的「動物雕塑」，到思索生命結構的「骨骼重塑」，如今演進至《萬物製造》系列。他將微型城市與人物雕塑與植物盆器相結合，透過水泥的剛硬構築出文明的廢墟，引導生命在其間找尋新的棲所，完成了一場從純藝術走向應用藝術的實踐。

而妹妹 Wuba則從產品設計師起步，帶著對工業量產的反思，投入「紙蕨」系列創作已近十年。她將過去講求功能性的設計思維，轉化為對材質本質的純粹探索。透過剪紙工藝將臺灣特有種植物進行時空定格，把原本服務於機能的設計，昇華為觸動靈魂的藝術語彙。兩人的起點皆源於同一個家庭，卻在不同的創作路徑上各自修行。此次展出，他們因「植物」這一共同的生命語境再次匯聚，在南港老爺旅店的空間中，展開一場關於剛硬與脆弱、文明與自然、工藝與設計的對話。

創作者專訪/

1. Collectible Design（收藏型設計）是亞洲一股新的作品收藏潮流，也有人說可以看成是Functional Art（應用藝術），你怎麼看待你的作品屬於哪一種、或者屬於其他？

祥鞍：在微縮建築中構築的崩解與永生

「童年時期的樂高與模型經驗，深刻地形塑了我對空間的直覺。對我而言，作品的分類並非首要，無論被視為藝術、工藝或設計，本質上都是一種雕塑。我真正渴望的，是將內心的世界觀轉化為實體，邀請觀者進入我所見的微縮地景。這一系列的創作起點，源於我在高雄鹽埕工作室前，觀察植物與我創作的微型公仔所共同建立起的聚落。我將對奇幻、Cyberpunk 敘事的熱愛，與台灣街景中那種混亂卻飽含生命力的秩序感相結合，發展出一套模組化的空想建築。這不單是植物盆器，更是一個個載運生命的『生存容器』。我試圖探討當文明遺址化後，建築如何與自然重新建立關係——在時間的推移下，建築體崩解頹圮，而植物卻持續蔓延生長，最終以一種寧靜的姿態回歸自然母體。」

Wuba：從「剪刀的破壞」到「纖維的療癒轉譯」

「祥鞍的創作源於對世界的宏觀建構，而我的起點則是對材料的純粹探索。比起畫筆，兒時的我更著迷於拿起剪刀，在隨手可得的衛生紙或廢紙上進行一場『破壞』實驗。對那時的我來說，剪去紙張的完整並非毀壞，而是透過破壞來創造美——讓平面的紙質在切削與重組中，生長出新的秩序與形態。這種對纖維介入的渴望，成為了我後來投身剪紙創作的原始驅動力。

在正式轉向藝術創作前，我曾在產品設計領域深耕八年，這段經歷讓我反覆思索：在追求效率與大量製造的工業洪流中，我們是否真的需要這麼多可被快速替換的商品？這份反思促使我走向小量、具溫度的創作道路，我希望我所創作的紙蕨，是能真正與人產生連結的美好物件。我居住在台北外雙溪的山中與自然為伍，一方面將創作視為對大自然的致敬，另一方面，也幽默地對抗著山中過於厚重的濕氣，透過紙張，將那些在現實中難以保存的植物美感，進行一場精確的『時空定格』。

隨著探索越深，我越著迷於台灣植物學的歷史脈絡，從日治時期的標本調查到當代的蕨類研究，皆是我創作時最珍貴的養分。回到您的問題，究竟我的創作算不算是一種『應用藝術』？我認為這種功能不僅止於空間裝飾，更在於敘事與療癒，透過工藝，將消失中或難以久存的植物形態，轉化為可以被觸摸、被收藏的『生存容器』，讓植物的故事能溫柔地伴隨在人們的生活場景中，成為心靈的避難所。」

2. 從20幾年前的Salone del Mobile Milano 衛星展、以及Basel Miami旁展出Design Miami這樣的藝術家具展，designart的風潮在歐美興起，10年前這股風潮吹向亞洲，Designart Tokyo成立，韓國則是近年有許多國際知名設計與藝術展會進駐，如Design Miami、Frieze、龐畢度中心等。以你自身發展designart市場的經驗而言，你看見台灣創作者的優勢與困境會是什麼？

我們兩位都專注在自身可以觸及的展覽與合作對象，因此無法回答此題，還請見諒。

3. 就你觀看經驗而言，你對於亞洲其他國家如日本、韓國、泰國、印尼等地的designart類型創作者的作品有什麼樣的印象？

Wuba：

「近兩年，我因緣際會參與了印尼峇里島的《Jia CURATED》盛會。這場融合工藝、設計與文化的沉浸式展覽，不僅展示了精湛的物件，更核心的精神在於印尼語中的『Gotong Royong（互助合作）』，這是一種透過創意連結社群、共同構築生活場景的集體意志。在峇里島，藝術與設計深植於印度教文化的沃土，從古老的木雕、石雕、手工蠟染，到當代聞名全球的永續『竹建築』，我觀察到當地創作者在傳統紋樣與現代機能之間，找到了一種極致的平衡。那種不同於機械化製造的細膩質感，源自於創作者對材料原始特性的尊重。峇里島最令我著迷的，是它作為國際文化熔爐的包容性，它讓傳統工藝不再只是博物館裡的標本，而是融入日常、與全球創意人才共振的活體文化。這對我的創作有很深的啟發：當我們在談論亞洲工藝時，不應只看見單一的技法，更應看見背後那種『與環境共生、與社群共享』的生命力。這也是我每年必訪的靈感之地，提醒著我工藝應回歸生活的初衷。」

4. 本屆大會主題為「Crafting Asia」，聚焦亞洲各國創作者對於「Craft」不同的觀點與解讀，身為台灣創作者，你如何看待自身作品與「當代工藝」之間的關係？

祥鞍：工藝是時間在物質上留下的敘事印記

「我鮮少預設自己的創作是否屬於某種特定工藝。但若工藝的定義，是透過雙手的勞動，在漫長時間的積累下賦予材料新的生命與意義，那麼我的實踐確實具備了工藝的精神。然而，與傳統工藝家長期深耕於單一技法或材料研究的徑路不同，我更著迷於『構築故事』。對我而言，材料（水泥）與技法只是載體，真正核心的是如何透過這些物質媒介，搭建出一個讓觀者能共感的空想世界觀。當代工藝對我來說，是不斷在物質與想像之間，尋找一種新的敘事平衡。」

Wuba：民間工藝的當代轉譯與集體創造

「剪紙，本質上就是一種根植於常民文化的民間工藝。在傳統華人社會中，剪紙從非孤立的藝術行為，而是為了回應生活需求、傳遞情感祈願而生。對我而言，當代工藝的意義在於將這份傳統靈魂，延續到現代生活場域中。除了透過作品定格植物美感，我更期許能引發大眾內心與生俱來的創造力。因此在本次展覽中，我特別設置了一個開放的創作角落，邀請觀者重拾剪刀，親手介入紙張。當觀者剪下第一刀時，工藝便不再只是被觀賞的物件，而是一次跨越時空的實踐——我們在水泥文明的裂縫中，集體構築出一片新的、具備溫度的生命棲地。」

5. 給我們一個設計與藝術間的Hashtag（可以是想說的關鍵字，或是想推薦的書、音樂、電影等，成為你們靈感的人事物，讓創作新進參考）

#SurvivalVessel #生存容器這是本次個展的核心，定義了作品是生命與工藝的共同載體。

Wuba：致敬 Ruth Asawa——在日常中編織出的生命韌性

「如果要在藝術與設計之間找尋一個導師，我會選擇露絲·阿薩瓦（Ruth Asawa）。她不僅是一位日裔美國藝術家，也是六個孩子的母親。我深深著迷於她在自家客廳邊育兒邊創作的狀態，那種『藝術即生活』的實踐，讓工藝脫離了冷冽的殿堂，擁有了家的溫度。 Ruth Asawa 將傳統的編織轉化為流動的金屬線雕塑，這給我很大的啟發：工藝不應被技法限制，而是一種對空間與結構的溫柔回應。這也反映在我的紙蕨創作中——紙張雖脆弱，但透過重複的剪裁與鐵絲結構重構，但願也能展現出如同 Asawa 作品般的內在力量。」

祥鞍：微縮世界的臺灣街景與生存意志

「對我來說，靈感源自於那些在時間廢墟中重新找回次序的瞬間。我的創作靈感大部分來自臺灣雜亂的街景，那種在混亂中自成一格的秩序與生活痕跡，以及各類科幻電影中對於都市遺址與新生的深刻刻劃。這些風景讓我思考，建築物不僅僅是硬體的堆疊，更是人類生存意志的延伸。在工藝的實踐中，我試圖將這些宏觀的城市想像與生存韌性，縮小並封裝進一個個水泥盆器的載體內。」