ΔDesignArt 2026/ galeria a

2026-04-26

ΔDesignArt 2026/ galeria a

※內容由南港老爺行旅活動官網內容授權轉載

簡介/

galerie a 成立於 2020 年，是一個以東京為據點展開的 project space。這個計畫關注的不僅是作品本身，更包含各種表現背後的創作過程與材料之間的關係。創作者的視角與提問、面對材料的方式、經由身體所承載的技藝，以及在反覆實踐中累積而成的時間。作為這一切被凝縮之後所留下的痕跡而浮現，即為創作者之風格展現。galerie a 所關注的面向並非作為既定類型的藝術或工藝。更準確地說，它在乎的是那些在既有制度框架之外，帶著些微偏移而成立的實踐。它並不是單純橫跨時尚、工藝與藝術的邊界，而是持續凝視那些邊界本身開始變得模糊的時刻。許多創作者皆以工作室或生產現場作為實踐的起點，我們認為畫廊也不該只是作品發表的場所，更應該像是伴隨其思考與過程一同行進的存在。展覽並非完成形的展示，而是被構成為一段持續實踐中的切面。在那裡存在的，是尚未被完全語言化的違和感，以及在被既有框架收編之前的感知。galerie a 透過將這些狀態可視化，在既存價值體系中，持續推動產生細微的位移。

Director｜秋吉伸彦

簡介/

Le Berger／株式会社 Herd 代表

秋吉伸彦主要以時尚品牌的 sales agent／distributor 身分展開活動，長年從世界各地湧現的才能之中，展現出極為精準而獨到的選品眼光。其代理與經銷的品牌陣容，涵蓋國內外在美學意識與思考深度上皆極為徹底的品牌。同時，秋吉也經常親自走訪作為生產背景的工作室與工廠，並與創作者及製作現場持續對話。也正因如此，他經常參與品牌方向與企劃的規劃，成為連結創作、製作與市場之間的重要推動者。

展出藝術家

衣田雅幸 Masayuki Kinuta

簡介/

衣田雅幸的父親是一位蕈類學者，因此他自幼便對動植物、昆蟲等自然生命懷有強烈興趣。自 1993 年起開始創作。透過將細小的布片逐一拼接，他創造出近乎真實、令人驚異的生命躍動感。無論是捕捉瞬間姿態的貓、眼神銳利的貓頭鷹，或帶有神祕魅力的兔子等，他的作品喚起了每個人童年時曾感受到的、動物那種不可思議的吸引力。同時，這些作品也是衣田最為珍視的——帶有難以言喻表情的布之雕塑。

衣田先生所創作的貓，彷彿各自寄宿著鮮明的個性。花紋、大小、色彩與姿態上的差異，或許都只是表層；當我們安靜地與牠們對望時，藏在其深處的輪廓，以及每一隻貓獨有的性格，便會緩緩浮現出來。那一隻貓的日常，安靜卻鮮明地顯現於眼前，撼動觀看者的情感。也正是在這裡，我們會意識到，眼前所遇見的並不只是單純的造形，而是每一隻貓所擁有的「故事」本身。選擇將這些孩子迎入生活的人們，或許接收的不只是牠們的姿態，更是連同其中被縫入的故事一起收藏。職人世界裡常說「一針入魂」，而衣田雅幸則是在每一針之中，縫入了一則故事。

山崎円城　Madoki Yamasaki

簡介/

山崎円城是詩人與音樂家。約自 1990 年起，他開始運用 graffiti 與 tagging 的手法，在公共牆面上發表文字與詩作。不久之後，他也正式展開音樂活動，並自 1990 年代起主辦以文字為核心的活動「BOOKWORM」。2013 年，他開始以「等價交換」的方式發行詩集。近年來，從 tagging 延伸而生的合作也日益增加，他亦在店鋪牆面上留下作品。

當代的詩人，究竟是一種什麼樣的存在？雖然大致知道圍繞著山崎円城的眾多身分，以及他在音樂領域中的成就，但始終感覺，他所有活動的核心，仍然是「文字」本身。「詩人・山崎円城」——要如何將他的詩、他的文字傳遞出去？將文字立體化，並以視覺的形式置入日常生活之中；透過物件，去擁有一位詩人的語言。山崎円城的藝術作品之中，寄宿著一種近乎狂氣的力量。他本人曾形容，那是「文字反彈回自己身上」的狀態。當他不斷書寫，直到手開始發麻、肩膀再也抬不起來，在那些由文字構成的浪潮與行間之中，我們究竟會看見什麼？這既不是常見的、以技巧為主導的藝術作品，也不是刻意設計出來的造形輸出。他是在將自己的詩狠狠地撞擊出去。也正因如此，被如此鍛造而成的文字，才會如此強而有力。

Gallery Director Interview/

1. Collectible Design（收藏型設計）是亞洲一股新的作品收藏潮流，也有人說可以看成是Functional Art（應用藝術），你怎麼看待你的作品屬於哪一種、或者屬於其他？

自2020 年成立以來，我們與 galerie a 經紀的創作者一起持續面對並思考「透過作品進行表現的方式」。我始終思考的是：一件作品的作品性以及它所處的定位，應該由擁有它、並且實際使用它的人來定義。若以這樣的前提來看，我並不會強烈意識到在 galerie a 所發表的作品，究竟應該被歸類為藝術、工藝，或其他既有類型與框架。包含我自身主要活動領域的時尚在內，這些表現往往橫跨藝術與工藝等多重範疇；但與此同時，它們也並不明確隸屬於其中任何一種。我認為，正是這種曖昧的距離感與雙重性，才是最重要的地方。而最終，這些作品的意義與價值，會在作品的擁有者、使用者，以及圍繞著作品而形成的環境關係之中，逐漸浮現出來。

植田佳奈 Kana Ueda 作品

2. 從20幾年前的Salone del Mobile Milano 衛星展、以及Basel Miami旁展出Design Miami這樣的藝術家具展，designart的風潮在歐美興起，10年前這股風潮吹向亞洲，Designart Tokyo成立，韓國則是近年有許多國際知名設計與藝術展會進駐，如Design Miami、Frieze、龐畢度中心等。以你自身發展designart市場的經驗而言，你看見台灣創作者的優勢與困境會是什麼？

若從我在時尚產業中的經驗來看，我認為日本創作者非常擅長將不同元素與品味細膩地組合在一起，並以高度平衡感加以整合。同時，他們往往以對歷史與 authenticity 的深刻敬意與理解作為前提，卻又會刻意與其保持某種距離，並將由此產生的偏移與違和感，昇華為自身的表現。這也可以說是日本創作者的一種傾向。另一方面，也正因為這樣的態度，我也感覺他們在直球面對歷史與傳統，並在其脈絡之中提出一種正統而強而有力的表現時，似乎顯得較為謹慎。因此，如何將具有明確核心的表現，以更直接、更堅定的方式呈現出來，或許會成為日本創作者今後值得面對的課題之一。

3. 就你觀看經驗而言，你對於亞洲其他國家如日本、韓國、泰國、印尼等地的designart類型創作者的作品有什麼樣的印象？

由於我目前還不能說自己已經累積了足夠的經驗與觀察，因此尚未到能夠針對特定地區提出明確印象的階段。不過，若要說其中一個傾向，我感覺相較於持續以各自國家為據點展開活動的創作者，那些曾在歐美接受教育，並進一步直接以當地作為創作據點的創作者，存在感似乎相對更強。也因此，我認為他們作品所形成的脈絡，往往不只有地方性的文化特質，更多是來自國際性的視角與評價軸線，綜合建立起來。

4. 本屆大會主題為「Crafting Asia」，聚焦亞洲各國創作者對於「Craft」不同的觀點與解讀，身為台灣創作者，你如何看待自身作品與「當代工藝」之間的關係？

如前所述，我與創作者一同投入的領域，是橫跨多重類別之間的實踐；它正是以不同範疇之間的關係性與雙重性為前提而成立。因此，galerie a 所發表的作品被稱作「當代工藝」，我認為本身也是一種合理的轉譯與理解方式。在創作基礎上，對傳統技術與材料的深刻理解，加上以時間與勞動為前提、及經由身體持續推進的製作過程等都是不可或缺的元素。

從這個意義上來說，Craft 依然作為支撐表現根底的基層而發揮作用。另一方面，當社會脈絡、批判性與概念性的思考，多層次地介入這些物質與技術基礎之中時，便會生成一種不只是技術延伸的表現領域。我自身理解的「當代工藝」，或許正是指在這樣的結構之中所生成的事物。因此，galerie a 的實踐可以說是：以 Craft 作為起點，卻不將其視為固定的類型，而是重新將其理解為一個可變動的框架，用以連接至當代性的表現。