ΔDesignArt 2026/ LOEWE FOUNDATION Craft Prize finalists and alumni

2026-05-03

ΔDesignArt 2026/ LOEWE FOUNDATION Craft Prize finalists and alumni

※內容由南港老爺行旅活動官網內容授權轉載

Didi Ng Wing Yin / Jong Jin Park / Maki Imoto / Pao Hui Kao

（LOEWE FOUNDATION Craft Prize finalists and alumni）

簡介/

關於 LOEWE FOUNDATION 與 LOEWE FOUNDATION Craft Prize

LOEWE FOUNDATION 由 LOEWE 創辦家族第四代成員 Enrique Loewe 於 1988 年創立，為一個私人文化基金會。今日，基金會在其女兒 Sheila Loewe 的領導下，持續於藝術、工藝、設計、攝影、詩歌與舞蹈等領域推動創造力、策劃教育計畫，並致力於文化資產的保存與傳承。2002 年，LOEWE FOUNDATION 榮獲西班牙政府頒發「美術功績金質獎章」（Gold Medal for Merit in the Fine Arts）。

LOEWE FOUNDATION 於 2016 年創設年度國際獎項 LOEWE FOUNDATION Craft Prize，旨在呈現並頌揚當代工藝中的創新性、卓越性與藝術價值。此獎項的創立靈感，源自 LOEWE 於 1846 年以工藝工作坊集體起家的品牌源流，也呼應時尚與文化之間緊密相連的關係，以及高度專業知識對此領域的重要性。

LOEWE FOUNDATION Craft Prize 2026 肯定入圍藝術家對當代工藝發展所作出的重要貢獻，其創作橫跨陶瓷、珠寶、織品、木作、玻璃、金屬、家具、紙藝與漆藝等多元媒材。此獎項如同一幅跨世代的當代工藝圖像，凝聚今日工藝領域中最具代表性的卓越實踐。獎項旨在彰顯工藝於當代文化中的重要性，並表彰那些以才華、視野與創新意志，為未來建立標準的創作者與工藝實踐者。

藝術、工藝與設計，至今仍是 LOEWE 當代篇章中不可或缺的核心基石。

凡年滿 18 歲以上的專業工藝創作者皆可申請此獎項；唯一條件為，參賽作品須結合對工藝技術的創新運用，以及原創性的藝術概念。

Jongjin Park(朴鐘鎭)

簡介/

Jongjin Park 畢業於韓國國民大學，取得學士、碩士與博士學位，並於英國 Cardiff Metropolitan University 取得陶瓷碩士學位。他的創作結合工藝訓練與 Collectible Design 的概念性方法。他的作品探索材料真實與錯覺之間的邊界，並深入思考在人工智慧快速擴張的時代中，材料智慧與手的作用如何持續被重新定義。近年來，他與精品品牌、時尚品牌及汽車企業展開合作，也反映出他長期關注如何將傳統工藝與設計文化、科技相互連結。目前，他任教於首爾女子大學，擔任工藝與 Collectible Design 專業助理教授。

2026LOEWE FOUNDATION Craft Prize finalist

1. Collectible Design（收藏型設計）是亞洲一股新的作品收藏潮流，也有人說可以看成是Functional Art（應用藝術），你怎麼看待你的作品屬於哪一種、或者屬於其他？

我的創作定位於「Collectible Design」的範疇之中，關注的是工藝的物質性轉化為藝術價值的那一個臨界點。雖然我以「陶瓷」這一傳統媒材為基礎，但並不止於製作具功能性的器物（vessel），而是透過紙與泥漿（slip）層層堆疊的過程，創造出一種嶄新的物質性。

完成的作品，並非止於形式本身，而是在被擁有、被置入日常觀看與感知之中時，才逐漸形成其完整的敘事。我認為，這樣的特質正呼應了 Collectible Design 的本質——工藝的精熟技術與藝術的獨創性相互交織，進而生成具有收藏價值的創作。

「#層層的柔軟性 #겹겹의_유연함（#Layered_Flexibility）」是我創作方法與思考的核心關鍵詞。就如同不同性質的層次反覆堆疊，最終形成穩固的結構，我認為設計與藝術亦不應被明確劃分，而是在彼此滲透與交融之中，展現出更為豐富的樣貌。

2. 從20幾年前的Salone del Mobile Milano 衛星展、以及Basel Miami旁展出Design Miami這樣的藝術家具展，designart的風潮在歐美興起，10年前這股風潮吹向亞洲，Designart Tokyo成立，韓國則是近年有許多國際知名設計與藝術展會進駐，如Design Miami、Frieze、龐畢度中心等。以你自身發展designart市場的經驗而言，你看見韓國創作者的優勢與困境會是什麼？

韓國創作者在深厚的傳統技術與材料理解基礎之上，能夠以高度縝密的方式將其轉化為當代的視覺語言，展現出極高的完成度。這也正是近年來韓國藝術家在 Loewe Foundation Craft Prize 等國際舞台上備受關注的重要原因之一。

然而，相較於單純追隨以西方為中心的設計與藝術市場論述，更值得思考的是：如何將自身文化所孕育的獨特美感，轉譯並擴展為具有普遍性的當代藝術語言。同時，我也認為，如何建立一套能讓創作者專注於創作本身的專業管理機制，以及拓展多元且有效的流通與發表平台，將會是當前亟需面對的重要課題。

3. 就你觀看經驗而言，你對於亞洲其他國家如日本、韓國、泰國、印尼等地的designart類型創作者的作品有什麼樣的印象？

在亞洲創作者的作品中，普遍可以感受到一種對「材料」的敬意與近乎敬畏的態度。無論是日本藝術家極度精煉的美學，或是台灣與東南亞創作者對材料更具動態與開放性的詮釋方式，皆在各自文化土壤的脈絡中展開，同時也共同展現出「手工創作（Handmade)」所蘊含的療癒性與冥想性力量。

我認為，這種帶有亞洲特質的能量與思維，不僅回應了創作本質，也正在為以西方為主導的當代藝術市場，提供一種重要的替代視角與新的啟發。

4. 本屆大會主題為「Crafting Asia」，聚焦亞洲各國創作者對於「Craft」不同的觀點與解讀，身為台灣創作者，你如何看待自身作品與「當代工藝」之間的關係？

對我而言，當代工藝是一種「透過材料變奏來擴展工藝認知」的實踐。我嘗試將陶瓷這一媒材的本質特性，與紙張相互結合，藉此開啟新的可能性。在創作過程中，泥土滲入紙張的纖維之間，經由窯燒後，紙張燃燒殆盡，僅留下其存在過的痕跡。這一過程並非對既有技法的重複，而是一種在突破材料限制的同時，持續發現嶄新物質性的實驗。

我認為，這樣的實驗性態度，正是當代工藝所需要的一種方向，而我的創作也持續停駐並深化於這樣的臨界點之中。